美术高考中色彩高分技巧 26页

美术高考中色彩高分技巧 ‎ 色彩静物作画的考试，需要美术生仔细观察所画的事物并对其分析。除此之外，美术生还须掌握静物作画步骤，这样色彩考试才有拿高分的机会。关于怎样才能拿色彩高分，请考生查看广州一韩画室如下介绍：‎ ‎　　(一)观察分析 ‎　　当我们掌握了一定的色彩知识后，接下去就是具体作画了。作画之前必观察对象，然后分析比较，求得整体关系。观察要从大的关系着眼，再分析具体的物体。也就是通常说的：整体出发，局部深入。初学者最大的毛病就是孤立地观察，局部地表现，热衷于一个局部一个局部地去画，最后拼凑成画面，结果整体关系可想而知，即乱又花。素描上的黑白灰，色彩上的冷暖，以及空间层次等等，都是作画前首先要考虑的。就静物写生的空间而论，台面是向里伸入的水平面，物体就摆在这个空间中，背景是竖着的墙面，起衬托作用，这三者的空间位置画得到位，画面就有层次。其中有素描的因素，也有色彩的冷暖关系。是深色衬托亮物还是亮色衬托深物，是暖色衬托物体还是冷色衬托物体，光源色是暖是冷，暗部色彩偏冷偏暖，画面总色调属于什么色性，这些都必须心中十分明确。观察的实质就是分析对象，找出画面的整体关系。画面的主次、强弱、深浅、冷暖都是在比较中产生，胸中有了整体意识，作画就不会拘泥于局部刻画了。‎ ‎　　一般情况，近景物的色彩相对偏暖、偏鲜，对比强烈，远处物的色彩相对偏冷、偏灰，对比平弱;主体物要得稍鲜，衬托物要画得稍灰。明白了其中道理，学画就不难。但有人说，画画是凭感觉去画的，没有什么道理可说。其实，凭感觉作画是对一个已经掌握了一定绘画知识和具备了写生能力的人而言的，而对一个初学者说来，作画还得先有“法”，“法”就是方法、规律。只有弄懂了作画的规律与方法，才能凭着感觉自由挥毫。不明白整体关系、素描层次、形体结构、透视知识、色彩规律就不知从何下手，乱涂一通，既达不到训练效果，也难以提高绘画水平。‎ ‎　　(二)静物作画步骤 ‎　　1.起稿和大明暗 ‎　　起稿就是将对象如何搬到画面的视觉中心。起稿要注意主次分明、左右匀称、大小适宜、紧松有序。可用铅笔或直接用水粉淡棕或淡蓝起稿。稿起好后，马上把物体大的素描明暗关系用单色水粉薄薄地画出。特别是明暗交界所体现出的体与面的结构，画面的空间层次。这样做是为了下一步更好地把握色彩区域，为上色作准备。‎ ‎　　2.铺大体色 ‎　　上大体色要根据对象总的色彩基调，从主体物、背景、台面三者的色彩关系出发，比较物体的受光面和背光面的冷暖变化，从主体物的明暗交界开始入手，向暗面和亮面寥寥画出几块色彩，定出物体受光面的光源色和背光面的环境色，及中间部分的固有色。然后从背景开始画，继而画前景的台面，再画主体物。这一步上色要画得快，画得准。如果发现色彩不准，应该马上调整，但必须画得薄，颜料薄才易于修改和深入时覆盖。要把白的纸张全部铺上色彩，这样方能对整体的色彩关系、空间层次、黑白灰的素描关系进行比较。否则，只对一个物体画得很深入，背景及周围色彩都不画上，在白色纸张的衬托下，色彩固然非常漂亮，但一旦画上背景，色彩马上产生变化。色与色的比较，同白纸与色的比较是不同的，结果不是太孤立了就是层次分不开。初学者容易犯的毛病就是一个局部一个局部地画，没有整体的比较，整体的考虑，所以容易画花了画乱了或画灰了。‎ ‎　　3.深入刻画 ‎　　大体色铺好后，就从主要物体着手开始塑造，要正确处理物体的冷暖关系和周围环境色的影响，以及素描上的黑白灰层次。用笔要根据物体的造型结构去表现，深入的过程就是完善形与色及其画面的整体关系，要把物体的具体细节画出。一幅画丰富不丰富主要是中间色层画得充分不充分;而一幅作品表现充分不充分，主要是细节画得到位不到位。没有细节的深入刻画，画面就粗糙。在深入刻画细节过程中失去整体大关系，画面就琐碎、松散，主次不分。‎ ‎　　4.调整完成 一幅作品从开始作画到最后完成，整个过程应该是从整体出发，到局部深入，再到整体调整。这个阶段的画面已完成到十之九八，所要做的就是针对画面某些局部进行调整，经过反复比较，主次虚实是否到位，局部是否服从整体，前、中、后景的空间是否拉开，色彩的强弱是否适当，直至完成。‎ 美术高考中色彩科目几乎是所有院校的必考项目，色彩的考查形式大多集中于色彩静物、色彩风景以及色彩人物。由于很多考生在接触 到美术的时候只是素描的入门，色彩的学习时间往往比较靠后，甚至部分考生只是在高考前几个月才真正的接触到色彩的学习。考生对于色彩的学习比较吃力，部分考生甚至 出现了 “色彩恐惧症”。‎ ‎　　第一法：和谐的构图—竖式优先、均衡对称、对比统一 ‎　　色彩静物写生通常会要求学生对提供的物 体进行自由构图，因此，构图成为构成画面最不可缺少的要点之一，构图的目的在于增强画面表现力，更好的表达画面内容，使主题鲜明， 形式新颖独特。主体突出，意图明确，具有形式美感是构图的基本要求。‎ ‎　　通常而言，我们经常会用到三角形、S形、反S形等构图。‎ ‎　　人的观察，实际上是在有点的位置上寻找能被看到的事物。欣赏作品也是如此，人的视线总是在寻找主要物体画的怎么样，第一次要物体、第二次要物体画的怎么样等等。‎ ‎　　可见，处理好这几点就显得特别重要。该 如何把物体正确地安排在这几点的位置上呢?‎ ‎　　“构图”是解决问题的最好办法。构图就形 式而言有两种，一种是横构图，一种是竖构 图。这两种构图都很常见，各有优势，而且每一种构图都另有讲究。‎ ‎　　第二法：统一的色调—冷暖明确、色相统一、和谐自然 ‎　　首先值得注意的是色调。要提升画面的第一直观美感，色调是关键。这是一张色彩非常统一的画面，画面整体呈偏紫红灰的暖调，并运用中长调的和谐构成方式组建画面。在第一步起完稿后，一气呵成将画面颜色铺满，没什么刻画，没什么细节，但色调已经形成，在接下来的刻画中始终不偏离这个色调。‎ ‎　　第三法：中心的塑造—掌握核心、‎ ‎　　主题明确 ‎　　入、‎ ‎　　在默写中，不同位置的物体必须有主次区 分，在深入刻画阶段，首先确立画面物体的主次顺序，找到第一主物体，第二主物体及陪衬物。明确表现第一主物体，这也是整个 画面的中心塑求点，除此之外其他任何物体 不能超过主题的塑造程度，让画面的趣味中心偏 移到主物体上，让画面的视觉中心集中在主物体周围，让细节充分体现到画面中心，避免面面俱到，忌死抠一些无关紧要的局部， 从整体出发，从主体中心出发，才能营造一个完整、整体、和谐的画面。‎ ‎　　第四法：质感的表现—应物象形、‎ ‎　　强调肌理 ‎　　彩、‎ ‎　　在默写中，表现物体的质感既是重点又是难点，我们在平时留意身边事物表象特征的同时， 要多分析物体表面肌理的构成特点，才有可能使物体更真实、更生动。对于一副画面，要区分物体的质感，仅仅靠颜色是不够的。分质感，得注意观察不同质感表面明暗的反差环境色的明显度高光及反光的强弱度等，只有捕捉到了这些细微的变化，才能把物体的质感充分表现出来。‎ ‎　　第五法：虚实的处理—前实后虚、近实远虚、主次分明 ‎　　虚实关系的表现尤为重要，而这一点更是 初学者最难理解和把握的问题。我们在作画时，要避免面面俱到，但可以夸大画面的前后关系，增强画面的空间感。这需要在平时写生练习时，主观处理画面的前后虚实对比。画面中虚实处理的运用不仅是主观处理能力的体现，也能为作画节约宝贵的时间。‎ ‎　　第六法：灵动的笔触—胆大心细、‎ ‎　　笔、宁松勿紧 ‎　　松动的笔触能有助提升画面的品味。随和的用笔，可是使整幅画面具有节奏感和韵律感。流动的颜色伴随着灵动的笔触，可以更好的表现物体的质感，胆大而心细，随心所欲。如在较短的时间内作画，不可能让你有过多深入的刻画，要想提升绘画感，增强画面的情趣，不妨多试试松动的用笔。‎ ‎　　第七法：高级灰的应用—复色并置、灰而通透不乱、‎ ‎　　市面上的颜料种类越来越多灰色系多大十 种之多，这为画面的处理带来不少便捷。应注意高级灰的运用非常重要。高级灰，是画面丰富而微妙的色彩变化的统称，这一次源于央美，正是所谓真正的色彩的含义精髓所在。‎ ‎　　统一色调，在变化反差较大的色彩环境中，一方面保留色彩的区别，另一方面运用高级灰 的构成实现其微妙的变化，使画面变化而统一，微妙而丰富。一笔一色，笔笔是复色，却整体统一，没有大面积的纯色。画面通透、自然、微妙、丰富。‎ ‎　　第八法：大量的临摹—色调优先、感受为重在意临 ‎　　主、‎ ‎　　学生在练习过程中，临摹的意义远远优于 写生，短短的时间里冲刺艺术类院校，没有太多的精力去追求高超的功底，靠的是高效率的 应试能力，根据多年应试经验，不得不将临摹 放在一个重要的位置。中西方的许多大师都有着大量的临摹经历，作为学生，要想提高自己的绘画水平，更是不可或缺。‎ 首先是构图。美术高考生应当练习在各种角度画好构图。一般高考静物大多是器皿加水果或者蔬菜，如何将这几样物体摆放的适当，看起来舒服是目的。练习的时候最好用铅笔打一下稿子，虽然只占用几分钟，确是一个良好的习惯。有些考生认为这是小事情，直接用毛笔随便勾一勾就铺大色调，结果使构图出现问题。‎ ‎ 　　美术高考的时候由于考生多，你的位置和角度不见得那么好，考生不应当由于实际的角度不好，如实的把构图画的不好看，而是要做一些小的调整，使你的画面符合构图的要求，这些在平时的训练当中就应当注意。‎ ‎　　当构图处理好之后，要用重颜色将大的明暗关系勾勒出来，使画面保持色调的鲜明，不至于画到最后产生灰暗。再接下来最好从重色调的物体画起，从鲜艳物体入手，重的颜色可以带动画面色调的明亮，鲜艳的物体的色调一旦铺到画面上，就可以带动整个画面的大调子的逐步产生。‎ ‎　　利用好调色板是画好色彩的重要方面，应当掌握一些调色的基本规律，例如调色盘的颜色最好从左到右是由深到浅的排列，还可以再分为上部为暖色系列，下部是冷色系列，这样你在需要什么颜色的时候，就可以在调色板的某个部位找到你所需要的色彩。‎ ‎　 色彩绘画需要各式各样的技巧，注意笔触的表现，表现物体时的用笔不可以在纸上“和泥”， 要一笔一笔的摆放，色度之间的过度不要在纸上腻，而是要在调色板上调出来。笔触要根据物体的结构的不同而变化。用笔要稳健中求灵活，不要浮躁也不要死板。 笔触可大大小，最好不要一律用同样大的笔触，笔触的方向可以顺着物体的结构转换，例如水果蔬菜器皿的笔触要小一些，而后面的衬布最好笔触大一些，这样才能 更好的突出主要的物象，在画面上形成简与繁的对比。‎ ‎【二】冷暖 ‎　 我们能够看清物体色彩的媒介是光线。物体受到不同的光照，出现了阴阳向背及明暗、深浅，呈现出立体的、冷暖不同的色彩变化。因为光的作用，物体发生了环境色的相互散射的影响，不同的物体固有色互相 辉映与影响而产生出五彩缤纷的丰富色彩。但应该指出，光源色的冷暖对自然界色彩的变化起着非常重要的作用。在有色光线照射下的一般规律为：在“暖色”光线下的物体，其亮部呈“暖色相”，这时它的暗部就呈“冷色相”。在“冷色”光线下的物体，其亮部呈“冷色相”，而它的暗部则呈“暖色相”‎ ‎。 如果色光的冷暖不明显，就应按照两色光的强弱来分。一般情况下，早晨和傍晚的日光、灯光、火光等为暖色，中午的阳光、天光、白炽灯光等为冷光。我们画静物多在室内，接受的光源多是从窗口透进的天光。一般情况下，天光多为冷色，但也有特殊情况，如朝霞、夕阳的余光，室外红墙壁反射的光线，有时也影响室内光线 变暖，阳光直照室内的物体就一定是暖光源了。要注意这种光线的变化，作画时具体情况具体对待，既要尊重客观对象，又要认真分析，注重自己的感觉。但光源的 直接照射是在物体环境的受光面，因而光色的冷暖也决定亮面色彩的冷暖。如光线是暖色，亮面肯定就是暖色，那么暗面的冷色又是一种什么色彩呢?‎ ‎　 从冷暖来看，有些色彩的冷暖区别很明显，如黄、红、橙是暖色，青、紫、绿是冷色，也有些色彩的冷暖区别比较细微如：黄绿与蓝绿，如红紫与青紫等等，但每一个色彩都有这种冷暖的现象，或者是冷暖的倾向。冷暖对比也就是补色对比，如三原色中的黄与紫( 红加蓝产生紫) ，红与绿( 黄加青产生绿) ，蓝与橙( 黄加红产生橙) 这都是补色对比。冷色与暖色相邻时会产生相互斗争而使颜色更鲜明，通俗的说也就是两个性格相反的放在一起，会更加表现出各个性格的特点，这就是补色对比或是冷暖对比。‎ ‎　 色彩还有鲜明色彩和灰调色彩的复杂变化，这就是色彩的纯度，或叫饱和度，也就是正色。在色彩中达到饱和状态( 纯度较高) 的有鲜红、朱红、群青、柠檬黄、鲜紫、翠绿等。这些纯度较高的色彩和灰颜色相配列就会产生色彩的纯度对比，如红和灰并列，红色就更红，灰色就更灰，相反相成。‎ ‎　 使静物亮部产生冷调，而暗部却形成暖调。由于这种对比，互相加强了色彩效果。我们拿一块冷暖调子不太明显的灰颜色放在红色旁边，灰色就有冷的倾向，如放在蓝旁边，灰色就感到暖了。因而在强烈的对比中间注意灰色的配合对画面可以起很好的效果，使冷暖色更具有特性，而且加强了色彩的丰富感。对冷暖色( 也就是补色) 的运用，在有些情况之下要注意面积大小的配置，如红绿色是补色，同样大小的红绿放在一起就很不舒服，如果绿色大，红色面积小，或者是色度不同，就显得适当、协调、万绿丛中一点红就不会媚俗。‎ ‎　 如黄色与紫灰色放在一起，就可以使性格不显著的紫灰色显明起来，如把纯度相似的色彩如黄与橙配置在一起，又可使性格很强的颜色相互变弱了。在水粉画中更应当发挥这一特性，因水粉颜料纯度很高。非常鲜明，比水彩与油画颜料都要艳丽，因而重视纯度对比的关系，可以使水粉画产生极其强烈而又有变化的色彩效果，使画面更响亮更活泼。‎ 美术高考生画好色彩的主要步骤 色彩是美术统考的必考科目，也是各大院校美术校考考察的重要科目，色彩与素描是美术考试中分数比例最大的两个科目，所以画好色彩对于取得好成绩是最重要的一个部分。那么，如何画好色彩呢？‎ 首先是构图。美术高考生应当练习在各种角度画好构图。一般高考静物大多是器皿加水果或者蔬菜，如何将这几样物体摆放的适当，看起来舒服是目的。练习的时候最好用铅笔打一下稿子，虽然只占用几分钟，确是一个良好的习惯。有些考生认为这是小事情，直接用毛笔随便勾一勾就铺大色调，结果使构图出现问题。‎ 美术高考的时候由于考生多，你的位置和角度不见得那么好，考生不应当由于实际的角度不好，如实的把构图画的不好看，而是要做一些小的调整，使你的画面符合构图的要求，这些在平时的训练当中就应当注意。‎ 当构图处理好之后，要用重颜色将大的明暗关系勾勒出来，使画面保持色调的鲜明，不至于画到最后产生灰暗。再接下来最好从重色调的物体画起，从鲜艳物体入手，重的颜色可以带动画面色调的明亮，鲜艳的物体的色调一旦铺到画面上，就可以带动整个画面的大调子的逐步产生。‎ 利用好调色板是画好色彩的重要方面，应当掌握一些调色的基本规律，例如调色盘的颜色最好从左到右是由深到浅的排列，还可以再分为上部为暖色系列，下部是冷色系列，这样你在需要什么颜色的时候，就可以在调色板的某个部位找到你所需要的色彩。‎ 色彩绘画需要各式各样的技巧，注意笔触的表现，表现物体时的用笔不可以在纸上“和泥”，要一笔一笔的摆放，色度之间的过度不要在纸上腻，而是要在调色板上调出来。笔触要根据物体的结构的不同而变化。用笔要稳健中求灵活，不要浮躁也不要死板。笔触可大大小，最好不要一律用同样大的笔触，笔触的方向可以顺着物体的结构转换，例如水果蔬菜器皿的笔触要小一些，而后面的衬布最好笔触大一些，这样才能更好的突出主要的物象，在画面上形成简与繁的对比。‎ ‎1,要大胆的去画,不要局部的去描绘.  2,处理好明暗关系和环境色的关系.  3,色彩要丰富,不能看到绿的就是绿的，红的就是红的.  4,画水粉不能用纯色画.  5,掌握好水分的干湿程度.  6,多去外面写生,自然界的色彩很漂亮.  7,掌握好水粉的属性.因为水粉干了后颜色会变暗的.  画近处物体,笔触宜显现  画远处物体,笔触宜含蓄  画亮部,笔触宜清晰  画暗部,笔触宜模糊  先远后近,先深后淡  先灰后艳  先湿后干  先整体后局部  构图美,黑白灰,大对比,五层次,三因素  如:画苹果暗部用普蓝,深红,熟褐等  反光用中绿色等  中间色用大红,深红,白,少量橘黄等  受光色用大红,朱红加白加黄等  投影用群青,紫,土黄,白色等  有时直接上原色也是很漂亮的  多看看书~~~~~~~要熟悉颜料,并掌握它~~~~~~~~比如熟褐是偏绿偏冷赭石是偏红偏暖~~~~~~~~‎ 水粉调色技巧 ‎  ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ 我们应怎样把握复杂的色彩变化 自然界的色彩尽管千变万化，错综复杂，但它的变化是有规律可循的。这一规律可归纳为以下几点：  1、色彩的空间透视： 　　色彩的透视实际上就是指空间色，这也是任何造型艺术无法摆脱的透视变化规律。因为人的视觉是按近大远小的透视原理来反映物体的远近距离的。同样大小的东西，靠近我们的则显得高大。距离我们远的，则感觉矮小。这是近大远小的形体透视规律所造成的。色彩也有透视变化规律，如近的暖，远的冷，近的鲜明，远的模糊等。尤其是画风景写生，因为空间距离深远开阔，这种色彩透视变化的规律格外突出。而画静物空间小，色彩的透视变化程度也相应的减小。这样的例子不用特指，你到室外找几个物体远近比一比，立即就会证实这种感觉。一切物体不仅形象特征随着空间距离的增大而发生变化，而且色彩关系也随之逐渐削弱，这就是空间透视变化的基本规律。如果违背规律，硬是把远处的各种物体画得色彩鲜明强烈，那么它就毫不客气地从远处跑到近处，从后边跑到前边，而失去了基本的空间透视效果，画面也由深远而化为平板。 　　色彩空间透视原因有两个，一是人的视觉在一定距离限度内可以看清物体的形象和色彩特征，超越了这个限度，也就逐渐变得模糊不清，这是人的客观因素所决定的。二是由于地球上的大气层是含有微小颗粒的空问，其中有许多灰尘、水蒸气、烟雾和空气分子等，肉眼看去它似乎是透明的空间，其实并非如此。当我们明白了这个空间变化规律后，就应该知道怎样去把握空间色彩层次的处理。 　　画静物的空间色彩变化不是很大，但要在画面中处理好空间关系仍需认真对待。 2、光与色的客观变化规律： 　　 我们能够看清物体色彩的媒介是光线。物体受到不同的光照，出现了阴阳向背及明暗、深浅，呈现出立体的、冷暖不同的色彩变化。因为光的作用，物体发生了环境色的相互散射的影响，不同的物体固有色互相 辉映与影响而产生出五彩缤纷的丰富色彩。但应该指出，光源色的冷暖对自然界色彩的变化起着非常重要的作用。在有色光线照射下的一般规律为：在“暖色”光线下的物体，其亮部呈“暖色相”，这时它的暗部就呈“冷色相”。在“冷色”光线下的物体，其亮部呈“冷色相”，而它的暗部则呈“暖色相”。如果色光的冷暖不明显，就应按照两色光的强弱来分。一般情况下，早晨和傍晚的日光、灯光、火光等为暖色，中午的阳光、天光、白炽灯光等为冷光。我们画静物多在室内，接受的光源多是从窗口透进的天光。一般情况下，天光多为冷色，但也有特殊情况，如朝霞、夕阳的余光，室外红墙壁反射的光线，有时也影响室内光线变暖，阳光直照室内的物体就一定是暖光源了。要注意这种光线的变化，作画时具体情况具体对待，既要尊重客观对象，又要认真分析，注重自己的感觉。但光源的直接照射是在物体环境的受光面，因而光色的冷暖也决定亮面色彩的冷暖。如光线是暖色，亮面肯定就是暖色，那么暗面的冷色又是一种什么色彩呢? ‎ ‎ 3、关于补色： 　　色彩的冷暖关系，即补色关系。人们对色彩的明与暗、冷与暖理解起来并不难。如红色光线射过来，物体的受光面就会罩上一层红暖色，寒色也即如此。问题在物体的背光部下又是什么色彩呢?往往初学者会在此出现很多问题，很多人用暗红来处理，有些人则用固有色加黑、蓝、褐等色，结果画面画得又脏又燥。这说明一些人还没有掌握色彩光学反应的原理，所以，常常作画失败，影响了色彩的提高。那么，暗部究竟应是一种什么色呢?冷暖的光学反应应是用一种补色关系来画暗部色彩。然而补色是客观自然现象造成的，还是主观的人为处理的呢?下面例举人的生理现象和自然现象的两个科学的例子来解释这个问题。 　　人的眼球视觉结构是由两种细胞组成。一种是眼球里专司感光的网膜上的圆柱细胞(或称棒状细胞)，它敏感于黑、白的吸收和补充；一种是眼球里网膜上针对瞳孔的感光——黄斑上的专司感色(亦能感光) 的圆锥细胞(亦称简状细胞)，它敏感于色彩冷暖的吸收和补充。人的眼睛生理造成了对色彩的冷暖明暗要求，就保人的身体对温度的要求一样，太热了想阴凉一点，太冷了想暖和一点，光线太强就想弱一点，太弱了又想强一点。而人的视觉看太暖的色彩时间长了，就想看点冷的，看太冷的色彩时间长了就想点暖的才舒服。这是人的视觉上的正常要求，这种要求构成人的视觉上的补色现象。  　　当你长期注目于阳光(白光)，然后再看别的东西的时候，你的眼前 就必然发暗，而看不清别的东西。这是你的眼中的圆柱细胞受到白光的强烈刺激之后，对于白光已经疲于感觉，无法吸收，而急需吸收另一种 光线来加以补充和调整，使其消除疲劳。这时，你对暗就特别敏感，反之，就是另外一种要求。这是无色系统里的互补，也是黑和白之间的互补。在有色系统里，可以做这样一个实验，在一个白的物体平面上，放一块鲜艳明亮的红布，你长时间目不转睛盯着红布，在眼睛盯得很疲惫的时候，突然将视线挪开，你就会明显地发现，有一轮廓与刚才那块红布相似的幻影，然而，这个幻影的色彩已不再是鲜红的，而变成青绿味了。这在物理学上称之为视觉残象的原理，也是眼睛中圆锥细胞疲于刺激后的补充和调整。  　　由于这种眼球网膜结构细胞的生理原因。比如你在洗照片的暗室里工作，因暗室里用的是暗淡红光，当你工作完成走出暗室时，外面的光线就显得格外明亮，而且看白的物体都带青绿味。这完全是眼球网膜结构细胞敏感于光和色的补色。 　　自然界色彩冷暖互补现象随处可见。当早晨日出之时，红色的光线笼罩了自然界物体的所有受光面，这时各种各样的物体暗部都或多或少地呈现有绿青味。随太阳的升高，色光由红变黄，物体的暗部又由绿青味渐变成青紫味、蓝紫味等。尤其是太阳即将落山的时候，在夕阳橙红、橙黄的光源照射下，所有天空中的晚霞及所有物体受光面，都笼罩上橙红或橙黄色，暗部都分别呈现不同程度的青绿或紫青味。这种色彩冷暖、明暗强烈的补色现象，人的肉眼能看得清清楚楚。彩照、彩色影视中的场面也科学地证明了色彩的互补现象。  　　以上这种补色现象在色彩训练及色彩绘画上应用极广。我们的水粉静物多在室内写生，补色关系远不及野外自然界中强烈。但在光源、色彩冷暖强弱的情况下，任何色彩均离不开补色的因素，若忽视对补色的应用，只知道暗部加重加黑，那么画面上的色彩效果就必然会缺乏对·比而觉得沉闷和死板。 　　在绘画色彩学上，绘画色彩的补色可在所标色相环寻求，补色对象一般在色环上直径两极的二色为180。时，可称之为补色作画时不清楚补色应用的同学，可参考色相环去分析应用补色在色彩关系中的作用. ‎ ‎  ‎ ‎  ‎ 分辨和把握色调的主要途径 一幅优秀的色彩静物写生作品必然是有其独特色调倾向的，那种杂乱无章、各自为政、无调性的色彩作品是不会引起人们的美感的。 　　在一组静物中，我们如何感受或“找到”这种色调呢？色调是指在一组静物中的物体色彩所构成的总的色彩倾向。在写生训练中，有时我们注视对象，感到色调的倾向不是很明显，这时我们应当采取整体观察和归类定位的方法，这样我们就能抓往一组物体的基本色调。例如：我们首先感受一下静物的背景，衬布与物体之间哪种色彩占的比例大，衬布的色彩倾向与主要静物的色彩是协调的还是对比关系。如果衬布与主要静物的色彩属同类色系的范围，那么它们就基本决定了这组静物的色调倾向，占据画面主要位置大面积的衬布颜色就构成了该画面的主要色调。静物的摆布与组织，通常是在以大面积的具有某一色彩倾向的衬布或物体占据主控位置的基础上，配以具有其他色彩的一些小面积的衬布，以此与物体产生对比关系，从而活跃画面。 　　在对一组静物的色块面积的分布和比例构成上有了初步的感受和比较分类之后，为了明确色调的具体定位，我们应当学会从下列几个方面来辨别其特点：从明度上来分，有亮色调（或称高调），有暗色调；从色性上来分，有冷色调、暖色调和中性色调；从色相上来分，有褐调子、紫调子、黄灰调子等。这些都是该组静物中的整体色彩的总体倾向所构成的色调。我们应在写生中牢牢地把握并记住静物的色调，并将其贯穿于写生的始终。‎ 美术高考色彩写生的应试技巧 有一定的专业训练并有一定基础的考生在考场上如何正常发挥、施展自己的才华，是一个值得关注的重点问题。因为很多考生在平日里有较强的绘画写生能力，在考场上却表现得手忙脚乱，无法正常发挥水平，以致考试成绩没有体现自己的专业能力，这是十分令人扼腕的。能否出色地发挥水平与考生的心理素质及在考试的限定时间内采用正确和有序的作画步骤密切相关。  　　首先，进入考场前要保持一份平常心，如同日常训练写生那样让心情放松，同时要有自信心，在限定的时间内写生，要合理地分配时间，明确各时间段所必须完成的工作。具体来说，有序的作画步骤、有条不紊的作画状态都是正常发挥原有的专业水平与能力的有效保障。 　　严格而有序的作画步骤对每个考生来说应该融入平日的写生训练之中，考场限定时间的写生实际上是这种工作方式的压缩和查验。作画步骤对作品的成败具有关键作用。特别是初学的考生，更应掌握。 　　在色彩写生时无论每个人的习惯与偏爱如何都必须遵循绘画艺术的基本规律：即从画面的构图布局定位到整体表现，从重点深入再回到整体调整这样一个表现过程。惟有如此，你的作品才不会给人以琐碎无序、平均杂乱的感觉。 　　下面我们根据四小时的考试时间将色彩写生过程划分为三个阶段，使考生明确考试时间各阶段的首要任务及前后连贯性的有序关系。 　　色彩写生的三个关键阶段是：大体铺色阶段、深入表现阶段和整体调整阶段。这三个阶段是有机地互相联系的，不能机械地理解。 　　第一阶段：大体铺色阶段。这个阶段包括构图布局安排，确定单色结构轮廓稿。静物写生构图是根据具体物体及作画者的角度确立横幅或竖幅画面的，构图一般多为三角形构图、复合三角形构图、椭圆形构图等等。三角形构图应避免等腰三角形，因为这样画面会显得呆板。确定了构图后，用淡蓝色或棕褐色（较沉着的颜色）线条勾画轮廓结构，要求比例、透视、形体结构转折准确，并根据物体的主次、强弱简略概括地表现出深浅、虚实关系。 　　接下来准备铺大体色彩关系。在着色之前，首先应对该组的静物色调有一个总体感受，它是什么色调倾向的静物，从色相上区分是蓝调子还是黄调子，从色性上辨别是暖调子还是冷调子，从色度上去比较是灰调子还是鲜艳调子。上述几个方面都是帮助我们感受和识别色调的有效方法。明确了基本色调后，应把这种感受与认识牢记于心并贯穿于作画过程的始终。有了对整组静物的色调感受和确认，便可以快速地进入大体铺色阶段。铺大体色彩关系应从主要重点物体入手，从暗部、投影等深色落笔。这个阶段应迅速而概括地把整个画面的大体色彩关系全面铺开，比较并把握不同物体间的色彩倾向差别。暗部、中间面、投影、反光色彩应一次铺好，亮面、高光暂时留出。不要在局部细微关系上过多纠缠，简练概括而整体地铺色是这个阶段的工作核心。第一遍铺大体色彩关系时用色不宜太厚，以免深入覆盖时产生于结、龟裂及无法盖住底色等问题。第一阶段的工作应控制在一小时三十分钟左右。 　　静物写生步骤 　　1．首先用淡蓝色颜料或铅笔勾出整组静物的布局安排，并简略地画出物体的明暗转折关系，为进一步的铺色、塑造确立准确的定位。 　　2．这组静物的背景和台面衬布都是浅色（白色、灰黄绿色），所以从重颜色的主体物陶罐画起，顺势铺出水果及酒杯的色彩用比较的方法找出水果的色彩差异和倾向。注意不能在某一物体的描绘过程费时过多，以免陷入局部的孤立刻画之中，铺大的色彩关系是该阶段的主要任务。第二阶段：深入表现阶段。这是三个阶段中最为关键的阶段，在这个阶段中，深入刻画的程度及其表现的效果是决定作品成败的关键。 　　在这一阶段里需要具体深入地表现各部分物体的色彩关系，表现出物体的主次、强弱、虚实的差别，物体丰富的转折层次、体积和空间关系，并应表现出不同物体的质感特征。深入表现阶段需要注意的是不能在具体的刻画中忘记了整体的比较和整体的深入，切忌在某一物体上孤立地进行。当画一个物体时应时刻把该物体的色彩与其周边的背景及物体色彩进行比较、观察与联系地加以表现。如画一个苹果时，要连同它的背景色彩一起画，这样才会使这一物体与其所处环境的色彩形成一种正确的色彩对比关系。深入刻画阶段应限定在二小时以内。 　　3．在铺好大的色彩关系之后，再从主体物进一步深入塑造，并向投影衬布延展，使其具有整体而协调的联系。水果的塑造也是同样道理，只是要注意前后空间距离所形成的主次、虚实变化。深入塑造，避免平均是该阶段的首要任务。 　　4．全面完整地表现对象后，检查一下整体的色调及和谐的统一关系。同时对个别局部的细节进行调整，减弱琐碎次要的细节，加强重点物体的点睛之笔。高光、罐口、杯盘的边缘都需精心地表现和收拾。 第三阶段：色彩写生的最后一个阶段。考生应留出三十分钟左右的时间对整幅画面作整体调整。调整阶段的主要任务是从大的整体关系出发，对画面进行全面检查，调整和修改画面不入调的局部色彩。这个阶段的工作是对画面进行最后润色。对那些重点物体，赋予画龙点睛之笔。突出主体，放弃一些不必要的细节关系，努力使画面的物体鲜明生动、和谐统一。 　　在考场的四小时里如果能够控制并把握这三个主要阶段，我们就能从容而稳健地完成写生作品，正常地发挥出自己应有的水平。  ‎ 作水粉画中经常遇到的三个问题 一、如何控制画面的虚实程度?  　   画面虚实完全根据需要来控制，如风景当中的雨雾天气，画时需要湿而虚的画法多一些才能出现自然效果。而阳光明媚的情况下则相反。画静物也是这个道理，但无节制地制造虚和实必然会带来以下的结果：画面“死板”，画中物体面面俱到，采用大量干画法，紧紧抓住物体的前后左右不放松，环境与主体处处抠得像木雕；画面物体虚无缘渺，在技法上过多使用湿画法，水色渗流，物体形象含混不清，使画面一塌糊涂。 　   画面中的虚实处理没有固定的规定，主要是依画者的感觉灵活掌握，画面的虚实关系需在画面整体的范围内，应该实的地方则实，应虚的地方大胆地虚。实有刀砌斧劈之力度，虚有线断气不断、意到笔不到之妙境。使画面有强有弱，有刚有柔，充满生机和变化。 二、画面用色不当会造成什么结果? 　   画面“脏”、“生”、“闷”等问题，都是用色不当所致。 　   “脏”，月附多地使用黑、蓝、褐等颜色，到处重复且色彩的空间位置放置不对，上色用笔潦草粗糙以及在色彩没干的情况下，又用湿色过多地涂抹，都会造成“脏”效果。要克服这种毛病应做到：调色要在一定的纯度上(调色时要以一种颜色为主，如冷色以冷为主，暖色以暖为主)少加对比色，使画面色彩冷暖分明；在用笔上尽量干净利索，少拖泥带水。这样才能克服“脏”的问题。 　   “生”，即画面上运用太多太纯的颜料就显得生硬。解决这一问题应加强中间色的描绘，适当地利用冷暖灰色，并在物体上找一些虚而过渡的颜色。 　   “闷”，使用红、黄等纯色，又缺少明暗冷暖的对比。在这种情况下，应尽力在画面中画出几种补色，增加画面中冷暖和明暗的对比，从而打破画面的沉闷。 　   在作画过程中调色和用色是画者的经验、判断和修养的综合，要认真去总结这些经验。 三、画面局部上的失败用什么方法补救? 　   水粉画局部画的失败分两种情况：一种是大面积湿画法完成的局部，干后再画则衔接不到原来的色彩上去；另一种是画得很厚又很腻的地方，只有再加厚干压，但最终还是不理想。出现这两种情况前者可采取用干净的湿笔轻轻刷湿需要改的部位，让颜色恢复湿后的面貌，再把要改的地方补上，这样干后就能基本一致。后者最好用清水把局部厚色清洗的办法，也是用干净的湿笔刷，然后用于笔吸去水分。局部修改要控制色、水不流动为佳。如清洗到露出纸时，再补救就容易多了。 　   画面补救只能是局部的，如果一幅画大面积都很糟，实际是无法补救了，如把补救浪费的颜料和时间换成再另画一幅也许效果会更好——但要吸取失败的教训。 ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ 水粉画性能材料工具（一）‎ 一、水粉画的概念  　　水粉画就是用水调合粉质颜料来作画的一种绘画形式。 　　水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是，它没有水彩画透明。它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。  二、水粉色彩纯度与明度的局限性  　　水粉画在湿的时候，它颜色的饱和度和油画一样很高，而干后，由于粉的作用及颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。  　　水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。它的干湿变化非常之大，往往有些颜色只加少许的粉，在湿时和干时，其明度就表现出或深或浅的差别。由于水粉画干后颜色普遍变浅，所以，运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。而含粉的色彩又恰恰是水粉画的魅力所在，它使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质，而出现特别丰富的中间色彩。  三、水粉画颜料的个性差异  　　水粉颜料大部分颜色是比较稳定的，如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等。但是，水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定，容易出现翻色，不易覆盖。水粉颜色的透明色彩种类较少，只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色，要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性，了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低。这些问题都要通过不断实践，做到熟能生巧。  四、作画工具的选择  　　现在市场流行的水粉笔不外乎三大类──羊毫、狼毫及尼龙毛笔。羊毫的特点是含水量较大，醮色较多，优点是一笔颜色涂出的面积较大，缺点是由于含水量太大，画出的笔触容易浑浊，不太适合于细节刻画。狼毫的特点是含水量较少，比羊毫的弹性要好，适合于局部细节的刻画。随着现代化工业的进步，市面上大量流行尼龙毛笔，在选择尼龙毛笔的时候，要特别注意它的质地，要软且具有弹性，切忌笔锋过硬。过硬笔锋的笔往往很难醮上颜料，在画面上容易拖起下面的颜色，使覆盖力大为降低。在选择笔的形状上，不同的种类都选择一些，如扁头、尖头、刀笔等，以备不同场合，不同题材的作画之需。  　　颜料最好使用正宗美术用品生产厂家生产的锡管装的专业产崐品，它膏体细腻，色彩较饱和。切勿被廉价的劣质产品所迷惑。在纸张的选择上，应选用有纹理的优质水彩画纸作画，吸水性不能太强。有些劣质的纸张，不但吸水还吸颜色，使颜色干后发黑，用这样的纸张作画，画面的颜色难以明快亮丽。 ‎ ‎ ‎ 水粉画性能材料工具(二)‎ 关 于 固 有 色：  　　固有色，就是物体本身所呈现的固有的色彩。对固有色的把崐握，主要是准确的把握物体的色相。由于固有色在一个物体中占崐有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。一般来讲，崐物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，崐也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。因为崐在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要崐是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度也往往最高。 A－1‎ ‎ 通常我在画水果时，因为柠檬黄没有覆盖能力，所以利用柠檬黄颜色的透明性，先用柠檬黄薄涂一层打底，此目的是为了把握水果颜色的纯度与明度。  A－2 从物体的暗部入手，用固有色加深颜色先画出物体的暗部，再用纯度较高的颜色画出固有色。  A－3 在亮部加上一些浅黄色，形成苹果的调子关系。  A－4 画出投影，提高苹果亮部的明度。注意亮部要偏冷。  A－5 画出梨子的暗部与半调子。  A－6 用笔锋扫暗部反光。在梨的亮部加上少许柠檬黄和白色，使亮部冷一些。用尖头笔画出梨和苹果把。  A－7 加强梨的暗部。在苹果的亮部再做进一步塑造，使苹果的亮部色彩更丰富一些。  A－8 完成以后的苹果和梨。  (说明)不同的水果呈现不同的固有色彩。  ［小技巧］ 固有色摆在中间调子上。  ［妙点子］ 冷颜色是浮在固有色上面的，它很微妙，切忌过崐冷，应与苹果的固有色保持联系。‎ 在室内下常的自然光下写生怎么用色？‎ 在室内下常的自然光下写生，物体高光以光源色为主，物体亮部以光源色和固有色为主，物体的中间色调以固有色为主，物体的暗部以环境色和固有色为主明暗交界线以加重固有色为主。‎ 四步骤画好美术高考素描头像 ‎ ‎ ‎    第一步，构思、构图。美术高考生在作画前要养成观察对象的特征、酝酿自己情绪的习惯，不要仓促作画，根据对象的职业、年龄、气质、爱好等考虑该如何表现，最后欲达到怎样的效果。成竹在胸，下笔就大胆潇洒。构图要饱满，衣服尽可能的画一下，头部的比例大小尽量跟模特原大一样。注意人物位置是否合适以及人物前方的空间要大些。构图时虽然这是老生常谈，却是决定整幅画是否完整舒服的关键。‎ ‎　　第二步，狠抓轮廓。这点非常重要。万丈高楼平地起，没有坚实的墙基不堪设想。轮廓即墙基，要抓准，就要抓住头部基本形、五官位置、明暗交界线的位置、头与肩的关系。‎ ‎　　要画准轮廓，就必须整体观察，整体比较，多运用辅助线帮助确定位置。在抓外形时要狠抓特征，要画得像。外形初见端倪，形象呼之欲出。就如公园门口的艺人用剪子剪影，轻而易举地将人物形象显现出来，尽管看不清过细的内部结构，我们照样能够认出他来。有些不注意这一步，形还非常含糊，便匆匆忙忙去画五官了。这样画出来的画怎么能逼近对象呢!‎ ‎　　在画准外形的基础上，五官位置也需狠下功夫。美术高考生在画五官时要注意中轴线的运用，除绝对正面外，中轴线根据头的动态呈孤线，很多同学不理解这一点，画稍侧的角度，头总是转不过去，当然感觉就很差。五官位置可以根据三停五眼的基本规律，在共性中找出人与人的形象特征，画出人与人的千差万别。在打轮廓时要注意眉、眼、鼻、耳的长和宽以及厚度的位置。如果这一步画不准千万不要深入。画眉毛要注意眼窝上下凹处的骨点和通过颞骨处凸的转折所呈现的眉深眉淡。画眼则要将四个眼角处于一条平行线上，否则眼睛就有高低，感觉不舒服。画眼很重要，上眼皮和下眼睑有区别，一般上眼皮与眼球遮搭处较重，原因是有厚度，且眼睫毛较深，阴影投射在眼球上，往往这里是脸部五官的最深处，很有神，也易将眼球包在眼皮之中。下眼睑与眼球遮搭处受光，要亮，不然就如戏妆了。嘴的刻划也关系到人的表情。首先要确定上下嘴唇的厚薄，还要注意嘴唇不能用线勾得过死，嘴的上翘下垂，非常微妙。画耳要与眼鼻嘴联系起来看，有些考生不愿多画耳朵，甚至将耳朵当作负担。要么虚不过去，影响空间，要么乱画一弃，破坏整体。‎ ‎　　明暗交界线是决定头部深度、体积的关键，颧骨处在交界线最突出部位，有高有低，有突出也有柔和，可视特征而定。尽管受光处颧骨不那么明显，但美术高考生必须与暗部对称地画。顺便说一下，人物写生非常重要的是对称，诸如两眼、两耳、两个鼻孔等都要同时考虑。‎ ‎　　头发固有色是黑色。只要仔细分析，绝不是漆黑一片，也同样有明暗对比。头发是在颅骨上形成的，发型、明暗都必须考虑结构。头发力争画得蓬松，富有质感。‎ ‎　　第三步，深入刻画。美术高考生此时要好好审视一番，看看哪些部位最深、最强烈，就从这些地方着手，一般先从眉、眼、鼻、颞骨处开始，一下子即可抓住特征，画出大的关系，但是一定要避免抓住一点反反复复盯着画，使局部画得过分而关系失调。先画什么、再画什么可根据对象特征来考虑，如角度有些偏，颧骨比较突出，有的剑眉浓重而富个性，有的眼睛炯炯有神，那就由此展开。‎ ‎　　在深入中要始终保持整体关系，明白一幅画的好坏主要取决于整幅画面的整体感，完整感，如果只是将笔墨停留在五官上，以为是画龙点睛，而忽视其它方面，整个画面就不会好。我们在看画展时，总是站在较远处端详整幅画，对某些部分感兴趣，再走近细观，没有人看画展时直冲到画前死盯着局部看，如果那样岂不滑稽可笑?‎ ‎　　在深入中首先着眼于整个画面的明暗对比，我将它比作为主要矛盾。然后是暗的与暗的比，亮的与亮的比，我将它比作为次要矛盾。主要矛盾决定次要矛盾，抓住了大的关系，又注意了微妙的关系，整个画面就有主有次，可以有条不紊的进行深入。美术高考生每深入一层，即从最凸处开始，带动次明部。画眼注意整个眼轮匝肌周围的关系，画嘴考虑口轮匝肌的块面，画鼻注意鼻骨、鼻翼与脸颊的联系。同时，还要考虑这一局部在整个脸部中的比例关系。总之，在深入中时时考虑整体，主次各得其所。‎ ‎　　第四步，调整。一般考生画画时总喜欢一个劲地往下画，直至结束，感到气都喘不过来。哪有时间去琢磨一下，留出15-20分钟的时间调整大的关系。其实这样的想法很要不得，调整既是深入也是概括，使画面的总体效果更趋完整，要做减法，将琐碎的细节综合起来，加强大关系。调整还是美术高考生生艺术修养的综合体现，需要正确的引导，养成良好的作画习惯很必要。最终究竟要以怎样的画面效果呈现在主考官面前，怎样在众多的考生中出类拔萃，这点值得深思。‎ ‎　　要画好人像，特别要画得像。避免公式化、概念化地将人物千篇一律，千人一面的机械式的描摹，好像人物形象是一个模型里刻出来的，总是那么呆板、没有生气。人物要画得像，首先是形神兼备，注重人物内在性格和情绪的刻划。只要在平时的练习中，多留意眉、眼、嘴的情绪变化的表现，在神情最为自然、生动的时刻来画，就能使画面有生气。我觉得形神兼备是人像写生的最高要求，绝不是在技巧提高之后才去追求。‎ ‎　　总之要画好人像素描，获得扎实的基础，精确的造型能力，还是要靠多画才能得到。俗话说，“熟能生巧”，技巧是从勤学苦练中得来的。同时还要多看好的范画，提高鉴赏力，进而大胆地多方面地进行尝试，逐步掌握绘画的基本语言，不断提高对绘画的认识水平，充分理解绘画的基本规律，从而实现自我的理想境界。‎ 首先是构图的完整性，要占到10%的分数，虽然是10分，大家也不要忽视了，这个分数是必须要拿到的，因为如果构图不好，影响的是接下来的所有绘画写生工作，谈不上细致的刻画。所以大家一定要引起重视。‎ 第二是物体形体结构（造型）的表现与明暗的关系处理，这一个项目要占到40%，造型与明暗关系是相互联系的，明暗光影是建立在造型严谨的基础之上的，胡涂乱抹的明暗调子很难附着在物体的结构关系上。所以在此阶段要花费大量的时间来刻画表现，并进行不断地调整。‎ 第三是空间虚实的把握与质感的表现。占到20%的分数。这是拉分的重要环节。空间感的表现与质感的表现对于考生来说，三个小时如果能够把握的住，尽量表现完善，那就会让自己的画面有质的飞跃。基础不好的很多考生也会在此环节失分很多。‎ 最后一项是，整体感的印象，也就是考察学生对画面整体形神兼备的把握，这一项要占到30%，看似笼统，但是往往阅卷老师会根据整体的画面效果给出不一样的分数。这种整体感与神态的把握在素描头像写生上来说起到关键作用。‎ 素描头像考试五大要点：‎ 1、 构图得当，比例动态准确。‎ 2、 正确的表达出对象的形体结构及解剖结构关系。‎ 3、 黑白灰的画面布局明确层次分明。‎ 4、 头像要有体积感，质感，空间感要有一定的主次关系。‎ 5、 很好的表达出对象的性格，年龄，性别等特征并力求形神兼备。‎ 在一个月左右的时间里突破素描头像的方法：‎ ‎1、进行为期五天左右的头像速写训练，纸张为8开纸，目的是了解画头像素描打形的第一阶段过程，了解五官之间的组合关系，熟悉认识“三停五眼”等头像基本比例关系。并且学会用“十字线”辅助的办法来起形。‎ ‎2、进行为期二天左右的头部五官训练，目的，对眼，鼻，嘴，耳五官的解剖名称熟悉了解。学会用几何形及分面等方法去表现五官，如：‎ 眼睛可以看成圆球体，‎ 鼻子可以看成有正面两侧面的梯形体。‎ 嘴可以看成生长在半圆柱上的半圆柱体的一部分 耳朵虽然在侧面也应了解基本解剖，特别是外耳轮，耳屏，耳垂等要画出体积感来。‎